Bilan créatif 2020 : dessiner, graver et peindre, malgré la guerre du temps

Sept mois pour préparer un billet de blog, qui dit mieux ?

En 2020, mon rythme créatif a beaucoup diminué par rapport à 2018 et 2019.

Ma charge de travail quotidienne, salariée et domestique, a pris de telles proportions qu’elle a envahi les moments de temps libre que je réservais d’ordinaire à l’illustration et à l’écriture.

C’est en 2020 que, sans m’en rendre compte, j’ai commencé à prendre l’habitude de repousser sans cesse mes activités créatives à plus tard : d’abord à la semaine suivante, puis au mois suivant, puis au semestre suivant, voire plus encore.

Ce retard énorme, et la frustration qui en découle, ont dévasté mon mental, déjà fragilisé par le contexte sanitaire et ses conséquences.

La guerre du temps

Aujourd’hui, mon gigantesque besoin de créer gît au milieu de mes projets créatifs en ruine, terrassés par ce que j’appelle « la guerre du temps ».

Cette guerre consiste à lutter contre la surcharge de travail salarié et domestique afin de pouvoir me consacrer à l’art.

Cette guerre est épuisante, car elle dure toute la vie, sans aucune trêve, aux bons soins du capitalisme et du patriarcat.

Mes créneaux de temps libre, qui étaient déjà rares avant, relèvent désormais de l’utopie, du mirage : s’ils existent virtuellement, je n’en profite jamais, car il y a toujours plus urgent à faire. (Et encore : je n’ai pas d’enfant.)

À la longue, la fatigue profonde que tout cela génère me rend moins efficace, ce qui allonge encore les plages horaires à consacrer au travail obligatoire. L’équation est simple : plus de travail obligatoire égal moins de temps de loisirs.

Lorsque je parviens à « voler du temps au temps », notamment en sacrifiant une partie de mon sommeil (et donc de ma santé), c’est l’énergie qui me manque. Épuisée, il ne me reste aucun neurone pour mon ouvrage à moi : mon cerveau est tuméfié sous le poids de la charge mentale.

Et c’est ainsi que ni mon art, ni mon blog n’avancent, sacrifiés sur l’autel de ma productivité professionnelle, de mon utilité sociale et de mon quotidien hétéronormé.

Over and over until you die

À une époque, j’arrivais encore à me motiver en me disant des trucs du style : « Bon, cette grosse période est super nulle, mais ça va finir par passer. Plus que quelques jours à tenir, ensuite je retrouverai mon blog et mes peintures comme avant ! »

Quelle naïveté.

Créer des choses est ce qui me permet de supporter la vie. Si je ne peux plus créer, je ne vis pas : je survis.

Un jour de désespoir, j’ai partagé mon seum sur Instagram. Cela m’a permis d’obtenir des retours intéressants de plusieurs créateurices qui m’y suivent et qui galèrent aussi à trouver du temps et de l’espace à soi, a fortiori lorsqu’iels élèvent des enfants.

Certains de ces « hacks » temporels m’ont plu, et j’espère qu’un jour je pourrai les partager avec vous (en 2025, sans doute ?).

Pour l’instant, risquons-nous à faire entrer un peu de couleur, gentle viewers.

Janvier 2020

Fabulous Freaks

J’ai eu besoin d’illustrer ma revue de web, que je prévoyais de publier le mois suivant. (Oui, c’était l’époque où j’avais encore le luxe d’avoir plusieurs billets d’avance et de pouvoir les planifier au calme. /nostalgie)

Pour cette aquarelle — intitulée Fabulous Freaks en hommage à une chanson de Dead Can Dance que j’adore —, j’ai utilisé une feuille de papier 20 x 40 cm.

C’est un format inhabituel pour moi : je travaille plutôt sur des formats A5, A4 voire plus rarement A3.

Mais j’avais trouvé le bloc 20 x 40 en soldes. J’ai bien fait de le prendre, car :

1. le papier aquarelle, ça coûte une blinde. Toute occasion de s’en procurer à moins cher est donc bonne à prendre ;
2. ce format m’a permis de composer mon illustration de manière verticale, et de créer une espèce de mosaïque de personnages comme j’en fais rarement. (J’adore quand le matériel créatif insuffle une idée qu’on n’aurait peut-être pas eue autrement !)

J’aime beaucoup le résultat : je trouve les personnages cool, et la palette de couleurs me plaît, malgré le choix que j’avais fait de me limiter à quelques nuances seulement (= angoisse de manquer).

La peindre avait été très agréable. Remplir de peinture un si grand format en écoutant de la musique est peut-être la meilleure sensation au monde.

Si c’était à refaire, j’ajouterais davantage de contraste, car en observant le résultat aujourd’hui je trouve cette aquarelle un peu pâle, malgré mon amour démesuré pour les tons pastel.

Autocollants holographiques

À côté de ça, j’ai fait fabriquer des autocollants holographiques en me servant de mes illustrations « lune bleue de sang » :

J’avais l’intention de les glisser dans les enveloppes contenant notre zine Pot Pourri.

Mais comme ce projet prend plus de temps que prévu, j’ai commencé à distribuer mes autocollants au fur et à mesure de mes correspondances. Mon stock a donc pas mal diminué, mais j’en referai.

Février 2020

Cadeau pour Pénélope Bagieu

Je vous en avais déjà un peu parlé : j’ai rencontré Pénélope Bagieu à l’occasion de la publication de sa B.D. Sacrées Sorcières.

À cette occasion, je lui ai offert un cadeau fait maison, parce que les cadeaux faits maison, c’est mon love language.

Le cadeau en question consiste en un mobile à disque représentant la Mamie de Sacrées sorcières. Ce mobile est conçu pour afficher des mots d’amour tirés de la B.D. (« mon puceron », « mon hamster ») au-dessus de la tête du personnage.

Vous pouvez voir comment ça fonctionne sur le compte Instagram de Pénélope. Cette vidéo a été vue plus de 48 000 fois !

Pour réaliser ce bricolage, je me suis servie d’un tutoriel tiré du Manuel des Castors juniors, livre que j’avais pu chiner en vide-grenier à 3 balles il y a quelques années.

J’ai adapté et simplifié ce tutoriel en n’utilisant qu’un seul disque. J’ai bien évidemment fait un prototype papier pour vérifier les mesures, avant de créer la version définitive.

Côté fournitures, j’ai utilisé une très belle feuille de papier recyclé fabriqué en Provence par Maki Papiers Recyclés. C’est un de mes fournisseurs de longue date. (Note : je peux vous parrainer pour avoir 10 % de réduction sur votre première commande. Faites-moi signe si cela vous intéresse !)

J’ai aussi délaissé l’aquarelle au profit de la gouache, pour obtenir un résultat plus opaque.

Et voilà ! Rien de très sorcier : ça m’a pris 2 heures à tout casser.

Je suis heureuse d’avoir pu rencontrer Pénélope et fière d’avoir réussi à lui donner ce cadeau en mains propres, en dépit du monde et de la chaleur. Cela a eu l’air de faire bien plaisir !

Cette dédicace a aussi été l’occasion de faire connaissance avec d’autres lectrices, que je salue au passage.

Croquis au musée

Autre projet en février : aller au Musée des beaux-arts de Rennes avec l’intention de dessiner.

Équipée d’un mini carnet aquarellable, de 12 demi-godets, d’un pinceau à réservoir et de quelques feuilles d’essuie-tout, j’ai zoné dans le musée à la recherche d’un tableau précis : La Légende bretonne d’Edgard Maxence, peint en 1906.

Je rêvais de le voir depuis longtemps, convaincue qu’il était conservé au Musée d’Orsay à Paris. En réalité, il appartient bien à la collection du Musée d’Orsay, mais il a été prêté au Musée des beaux-arts de Rennes.

Ainsi, profitant des visites gratuites le premier dimanche du mois, je me suis posée face à cette merveille, et l’ai longtemps contemplé.

Ce tableau est très kitsch, mais je l’adore. La fée a un visage presque photographique, et je kiffe ses souliers pointus d’inspiration médiévale. Le détail des broderies de ses manches me captive.

En bon cliché sur pattes, je suis aussi sous le charme des ronces et des dolmens, de la lune rousse et des korrigans*…

(* En Breton, « korrigan » se prononce [corigan], et non pas [corigane]. Je précise parce qu’un jour, j’ai fait la boulette, et que l’on m’a jugée. Fort. J’aimerais donc vous éviter cette humiliation.)

J’ai fait quelques croquis. Rien de bien intéressant, mais je suis contente de ne pas m’être dégonflée et d’avoir dessiné dans un musée pour la première fois.

Si c’était à refaire, je prendrais un carnet plus grand parce que ça m’a gênée d’être contrainte par des feuilles trop petites.

Croquis du soir, espoir

Le même mois, j’ai aussi dessiné d’autres petits trucs, souvent le soir avant de me coucher. L’idée, c’était de ne pas y passer trop de temps (5 à 10 minutes par dessin). C’est donc évidemment beaucoup moins léché que ce que j’ai l’habitude de vous montrer.

Je suis persuadée que j’aurais beaucoup à apprendre en faisant davantage de croquis sur le vif.

Grâce à Stella Polaris, j’ai quelques références de modèles vivants (dont Conkunction, qui m’a déjà inspiré ce dessin que vous avez beaucoup aimé sur Instagram : Mental load).

Ces modèles vivants partagent des photos dont on peut s’inspirer, et/ou organisent des sessions filmées où iels prennent plusieurs poses contre une modeste contrepartie financière.

J’ai bien envie de participer à une de ces sessions de dessin pour apprendre à mieux dessiner le corps et les postures, mais aussi dessiner des morphologies, des carnations et des visages différents.

Mon vocabulaire visuel est encore très limité, et même si d’aucuns pourraient dire que c’est grâce à ça que l’on commence à reconnaître « mon style », pour ma part j’ai parfois la sensation de tourner un peu en rond créativement.

Gravure

De septembre 2019 jusqu’au premier confinement, j’ai pris des cours de design graphique à l’École des beaux-arts de Rennes (EESAB – École européenne supérieure d’art de Bretagne).

J’ai vraiment adoré cette expérience, même si elle a été hélas interrompue au bout d’un semestre à cause d’une certaine pandémie.

Le temps fort de ce cours, pour moi, ça a été de pouvoir faire de la gravure pour la première fois de ma vie — et oh boy, était-ce une révélation !

Gravure sur Tetra-Pak

J’ai découvert à cette occasion que l’on peut graver sur du Tetra-Pak ! C’est facile à trouver et ça coûte que dalle, donc si on rate quelque chose, on peut recommencer sans devoir y laisser un rein, contrairement à certaines méthodes de gravure classiques.

Pour graver sur du Tetra-Pak, n’importe quelle brique de lait ou de jus de fruits fait l’affaire.

Une fois que la brique est vide, il faut la laver, la laisser bien sécher, puis la découper pour graver sur le côté argenté à l’intérieur de la brique. Je vous conseille de conserver les morceaux les plus lisses possibles, sans pliure ni raccord.

On peut ensuite graver la partie argentée du Tetra-Pak avec une pointe sèche, une pointe de compas, ou tout autre ustensile en mesure de creuser des sillons intéressants dans ce matériau tendre.

Le motif sera imprimé à l’envers sur le papier : c’est important à garder à l’esprit, en particulier si vous souhaitez graver du texte.

Encrage

Une fois que les plaques sont prêtes, on passe aux choses sérieuses : l’encrage.

À l’aide de tarlatane (une espèce de gaze), on prélève un peu d’encre pour taille-douce (par exemple l’encre Aqua Wash, qui a l’énorme avantage d’être lavable avec de l’eau et un peu de marc de café usagé).

On travaille un peu cette encre à l’aide d’une spatule pour l’assouplir, puis on l’applique sur les plaques qui vont servir à l’impression.

Ensuite, pour retirer le surplus d’encre des plaques, on utilise un morceau de papier journal, en frottant et en essuyant chaque plaque de Tetra-Pak.

L’objectif à ce stade, c’est que l’encre remplisse bien les creux de chaque plaque, tout en enlevant le maximum d’encre superflue sur les parties plates, non creusées, de celle-ci.

Impression

Quand les plaques sont prêtes, on peut enfin imprimer ! ᕕ( ᐛ )ᕗ

Je n’ai pas pris des photos à chaque étape, mais voici comment ça se passe :

1. on choisit une feuille de papier, et on l’humidifie en la déposant à plat à la surface d’un récipient rempli d’eau. Ça permet a papier de se détendre pour que la plaque s’enfonce bien dans le papier sous le poids de la presse. Au moment d’imprimer, on retire la feuille du récipient rempli d’eau, et on l’éponge soigneusement avec un torchon propre ou de l’essuie-tout ;
2. on place la feuille sur le plateau de la presse. On peut tracer de très légers repères au crayon pour s’aider à placer les plaques sur le papier à l’étape suivante ;
3. on place minutieusement la plaque ou les plaques sur le papier, face encrée contre lui. Une fois que les plaques sont posées, on n’y touche plus, sinon on risque de tout dégueulasser ;
4. on recouvre le tout d’un morceau de feutrine épaisse. Cela sert à créer une pression importante sur les plaques quand le « sandwich » papier/plaque/feutrine va passer sous la presse. C’est ce qui va permettre à l’encre présente dans les sillons de chaque plaque d’être bien en contact avec le papier, et de réaliser une impression satisfaisante ;
5. on vérifie que personne n’a laissé de doigts ou de mains sur le plateau pour éviter un terrible accident ;
6. on tourne la manivelle de la presse, non pour que la bobinette cherre, mais pour que le plateau avance sous la presse, une fois encore en vérifiant que tout le monde a retiré ses mains du plateau ;
7. quand toute la feuille est passée sous la presse, on retire délicatement le linge moelleux, puis les plaques que l’on met de côté, puis on découvre la feuille imprimée. Ceci, mes ami·es, est tout simplement la meilleure sensation au monde, et je vous souhaite sincèrement d’en faire l’expérience au moins une fois dans votre vie.

Le résultat

Et voilà ma toute première gravure. Pas peu fière !

Ensuite :

• on peut réutiliser les plaques telles quelles pour tenter un deuxième tirage. Le résultat sera plus clair que le premier tirage, étant donné qu’il y aura moins d’encre sur les plaques ;
• ou on peut refaire un encrage. Les plaques en Tetra-Pak peuvent être réutilisées plusieurs fois, même si elles sont beaucoup moins solides et durables que des plaques classiques en métal.

Pour ma part, j’avais fait un second tirage sans recharger en encre : comme dit, le résultat est un peu plus clair, mais je ne déteste pas.

Je crois que c’est à cette occasion que l’on m’a demandé pour la première fois de ma vie si je vendais mes créations, ça m’a émue !

Mars 2020

Gravure avec une machine à pâtes

En mars, le premier confinement venait tout juste de commencer, annulant de fait mes cours de design graphique (😭).

Malgré ça, comme j’avais été convenablement hypée par ma première expérience de gravure à l’EESAB, j’ai cherché à faire de la gravure chez moi.

Notre prof nous avait en effet parlé de la possibilité de faire de la gravure avec une machine à pâtes. Détourner un objet du quotidien pour faire de l’art avec ? J’en suis.

J’ai donc investi 30 balles dans une machine à pâtes, en choisissant un modèle dont l’épaisseur entre les deux rouleaux est réglable.

Mon premier tirage était ultra dégueu, mais j’étais ravie de voir le potentiel. J’allais pouvoir graver et imprimer des trucs toute seule, même sans les presses géantes des beaux-arts. Yayyy.

Le motif que j’ai gravé n’est autre qu’une reprise d’un de mes dessins, intitulé Light, que j’avais fait en 2019 mais dont j’avais été un peu déçue du rendu en couleur :

C’était satisfaisant de lui donner une seconde vie, en noir et blanc, car c’est comme ça qu’il fonctionne le mieux selon moi.

Note sur l’encre : au départ, chez moi, je n’avais pas d’encre pour taille douce. J’avais donc essayé d’encrer avec de la gouache mélangée à un peu de farine, une astuce que j’avais lue sur Moules et une idées. Mais ça a été un échec cuisant : la gouache a séché tout de suite, je n’ai rien pu en faire.

J’ai ensuite commandé des tubes d’Aqua Wash en ligne (les magasins de beaux-arts étant fermés bicoz la pandémie), mais la noire n’était plus en stock, et je n’avais reçu qu’un tube d’encre pour taille douce de couleur blanche.

D’où le choix du papier noir pour cette première série de gravure sur Tetra-Pak.

J’ai raté pas mal de tirages, le temps de trouver les bons réglages, mais j’ai finalement réussi à obtenir un résultat très correct, en ré-encrant ma plaque de Tetra-Pak au bout de 2 tirages.

Si voir le processus de gravure avec une machine à pâtes vous intéresse, je me suis filmée en train de le faire, et vous pouvez voir ça sur Instagram (les 3 vidéos sont transcrites) :

Comme j’avais ensuite plein de jolis tirages dont je ne savais pas trop quoi faire, je vous ai proposé de les gagner lors du concours des 20 ans de mon blog, avec en bonus des dessins sur des sous-bocks upcyclés, et les fameux autocollants qui brillent.

Récemment, j’ai eu le plaisir de devenir l’heureuse propriétaire d’une petite presse taille-douce en métal, dénichée sur Le Bon Coin après des mois de recherche. Le plateau mesure 18 x 32 cm, ce qui est beaucoup plus grand que le format A5 de ma machine à pâtes. Bref, JE SUIS TRÈS EXCITÉE.

C’est d’ailleurs cette presse qu’utilise Joh, et je m’inspirerai sans doute des réglages qu’elle y a apportés, cf. Un an (et demi!) de linogravure, un bilan.

Tampon encreur en linogravure

Encline à imprimer des trucs, j’ai aussi essayé de créer un tampon encreur avec un lettering gothique pour La Lune Mauve, mais je pense qu’on peut raisonnablement dire que ça a été un échec :

Je n’ai pas encore trouvé « le truc » pour réussir mes projets à la linogravure. Peut-être parce que j’essaie de graver des choses trop petites avec une gouge pas assez fine ?

Ce n’est pas grave, je réessayerai ! En attendant, je bave tranquillement sur celles de Laurence.

Portrait de Pauline Putrescine

Côté dessin, j’ai peint un nouveau portrait de Pauline, car sa personnalité, son intelligence et sa beauté m’inspirent toujours beaucoup.

En 2019, j’avais déjà fait cette petite peinture en me basant sur une photo de Pauline :

Portraits dessinés

J’ai aussi posé les bases d’une future peinture, que j’ai redouté peindre de peur de la foirer, tellement j’aime ces dessins :

Le personnage de gauche est inspiré par une super photo de Dolly Wood.

Edith : après une tentative de peinture foirée, j’ai finalement décidé de graver ce dessin.

Avril 2020

En avril, le premier confinement battait son plein, et j’ai compensé ma grande anxiété par deux choses : Buffy et l’aquarelle. J’ai donc pas mal de choses à vous montrer.

Peindre dans un carnet aquarellable

Pour commencer, ce portrait de Tess Holliday, que j’ai réalisé sans brouillon préalable, simplement en peignant directement dans mon carnet. Hé bien je suis très contente du résultat.

Peindre quelque chose par dessus une texture à l’aquarelle, ça rend vraiment bien, et résout le problème de ne pas savoir quoi dessiner en arrière-plan. J’aime aussi beaucoup les superpositions que cela permet de faire.

Le petit plus : Tess Holliday a aimé et commenté cette publication sur Instagram, bottant à son insu le cul de mon syndrome d’imposture.

Aquarelle et stylo plume

J’ai ensuite continué à peindre et dessiner dans un carnet aux pages aquarellables, et c’est devenu une habitude depuis.

Les deux dessins ci-dessus et ci-dessous réunissent aquarelle et encre résistante à l’eau, appliquée au moyen d’un stylo plume Lamy Safari, une petite merveille dont la plume glisse de manière très agréable sur le papier (oui, je suis « papier-sexuelle », y’a quoi).

Pour dessiner le cœur, je me suis inspirée des créations textiles de Natalia Lubieniecka, dont j’adore le travail.

On me pose souvent la question, donc : j’utilise principalement des carnets aquarellables de la marque Moleskine, formats A4 et A3, mais j’en ai aussi un format A5 de Clairefontaine, dont je suis un peu moins fan du papier très lisse.

C’est très satisfaisant de pouvoir s’étendre bien plus, de barbouiller des kilomètres de peinture, et d’oser des choses qui ne me seraient pas venues à l’idée si j’étais restée cantonnée à des mini feuilles volantes.

Je ne me serais pas crue capable de peindre des mains comme ça, à pinceau levé, sans avoir envie de tout recouvrir ou déchirer à la fin.

Je suis aussi contente des couleurs. J’ai la sensation que je commence à me rapprocher d’une identité visuelle reconnaissable, en alliant des teintes ternes, « éteintes », comme du mauve grisé, à une ou deux teintes vives, voire fluo.

J’essaie aussi d’accentuer davantage les contrastes, suite à une bonne remarque que m’avait faite Héloïse un jour (Tu devrais ajouter plus de noir, bien sûr).

Tout ça m’a amenée à faire plein de mélanges de nuances, et de mieux comprendre la délicate alchimie des pigments.

Autres peintures

En avril, j’avais aussi commis les deux peintures suivantes, pour illustrer mon billet 20 ans de blog : ce que grandir sur Internet m’a apporté.

Je ne suis pas fan du résultat, que je trouve un poil trop lisse. Il manque un truc mais je ne sais pas quoi.

Nuancier aquarelle géant

Par contre, j’ai enfin pu fabriquer mon nuancier aquarelle géant, après avoir regardé une vidéo de Marie Boudon (Les Tribulations de Marie) où elle en parlait. Je n’ai pas réussi à retrouver la vidéo exacte, elle se trouvait à la fin de ce billet, mais celle-ci n’est hélas plus disponible.

Associées entre elles, les cartes permettent de pré-sélectionner des nuances en les mettant les unes à côté des autres, avant de commencer à peindre en sachant où l’on va.

Pour fabriquer chaque carte, j’ai étalé de la peinture en dégradé, puis j’ai noté dessus la marque, le numéro de la nuance, son nom, sa composition et ses propriétés (granularité, résistance à la lumière, etc. — ce sont des informations que l’on trouve en général sur le site des marques d’aquarelle). Ensuite, un coup de ciseaux et hop ! Le divin enfant était né.

Connaître la composition de mes peintures m’a aidée à m’améliorer en aquarelle, en choisissant mieux les pigments avec lesquels je travaille. J’ai pris cette habitude en 2019, grâce à Cindy Barillet.

Mai 2020

En mai, je n’ai pas fait ce qui me plaît, étant donné que j’ai consacré quasiment tout mon temps libre aux corvées administratives et matérielles liées à l’achat de notre maison.

Malgré tout, j’ai quand même pu gribouiller deux-trois trucs.

J’ai aussi continué à dessiner et à peindre dans mes carnets, et notamment fait quelques recherches sur Buffy et Spike (obssessing, much?) en prévision du billet sur Spuffy que je compte toujours publier un jour.

Juin 2020

En juin : rien, car déménagement.

Juillet 2020

En juillet : hé bien rien non plus, car emménagement.

Août 2020

En août : toujours rien, bordel.

Contrairement à ce que semble indiquer cette photo champêtre, ça a été un mois particulièrement pénible, que j’ai détesté de tout mon être.

Malgré mes « vacances », qui ont quand même duré 4 semaines, je n’ai pas eu une minute à moi alors que j’en aurais eu plus besoin que jamais, et cela m’a déprimée.

Septembre 2020

En septembre : toujours absolument, et désespérément, rien.

Octobre 2020

Inktober

En octobre, l’installation dans notre nouveau foyer commençait enfin à se tasser un peu. Je me suis lancée dans une espèce de mini Inktober pour reprendre le dessin en douceur.

Sur le moment, je n’avais pas partagé ces dessins sur Instagram, car le résultat me semblait vraiment pauvre en comparaison à toutes les merveilles publiées par les artistes que je suis.

Et puis le but c’était de dessiner quelque chose tous les 3-4 jours, sans que ça prenne des proportions, et sans avoir à gérer le travail demandé par les réseaux sociaux ni la déception qui suit en général (« quoi, 30 likes seulement ? oké »).

Me remettre au dessin m’a vraiment aidée à ne pas sombrer moralement, car c’était une période très difficile pour moi.

Parmi mes dessins d’octobre, un nouvel hommage à Mina Mond, mais aussi un moustique géant et une citation de Marti Noxon.

…Mais aussi des femmes spirites, dans une nouvelle tentative de diversifier un peu mes personnages, et de continuer à travailler les motifs et les textures :

Enfin, un dessin à l’encre de Chine et à l’aquarelle (avec mes peintures chéries Kuretake), réalisé pendant un Skype avec ma pote Anne.

À propos, je suis devenue complètement obsédée par l’encre blanche, ce magnifique paradoxe.

Côté couleurs, quasiment que du mauve et du vert turquoise, car ce sont mes couleurs doudou, et que je n’avais pas la disponibilité mentale de tenter autre chose.

Novembre 2020

Carnets créatifs

En novembre, j’ai continué à peindre dans mes carnets, et c’était très satisfaisant. Ci-dessous, mon carnet A4, qui se remplit peu à peu.

J’aime bien l’opposition et la complémentarité d’une page très vive, à côté d’une page bien plus mélancolique, jointes à tout jamais.

Quant à mon carnet A4, certes il y a deux fois moins de place, mais il est pratique quand même quand j’ai envie de griffonner un truc rapide, comme cette phrase de Fleabag qui a « sonné une cloche » comme qui dirait.

Do not make it pretty, make it honest

En parallèle, j’ai créé cette illustration pour ma dernière revue de web en date, et je dois dire que j’adore le rendu !

Je profite d’avoir votre attention pour vous dire à nouveau à quel point il est important de soutenir nos sœurs, frères, adelphes et ami·es trans, par exemple :

• en adhérant à Acceptess-T (Actions Concrètes Conciliants : Education, Prévention, Travail, Equité, Santé et Sport pour les Transgenres) ;
• et/ou en faisant un don pour leur Fonds d’aide social trans (FAST).

Double crâne

Pour mon blog encore, j’ai aussi dessiné un nouveau crâne pour illustrer mon Post Mortem de décembre 2020, et c’était bien cool à faire.

Dans l’idéal, j’aimerais dessiner un nouveau crâne à chaque nouvelle édition de Post Mortem. Ça serait chouette d’avoir toute une collection.

Ce dessin m’a également servi à créer d’autres autocollants holographiques. Le résultat envoie du bois ! Deux stories pour vous montrer (feat. Lucie dans la seconde) :

Au fait, Lucie fabrique de magnifiques cyanotypes, allez voir et soutenez-la si vous le pouvez !

Décembre 2020

Pour refermer le chapitre 2020 pour de bon, j’ai pris mon courage à deux mains et me suis lancée dans la fabrication d’une cinquantaine de cartes de vœux.

Cette fois, rien de figuratif, que de l’abstraction, pour changer. Sur mes cartes de vœux précédentes, j’avais noté « Make a wish », mais vu ce qui s’est produit avec le Covid, on va dire que ces vœux-là ne nous auront pas spécialement porté chance… C’est pourquoi, cette fois, j’ai préféré ne noter aucun message sur le recto de la carte.

Côté fabrication, j’ai créé de grandes texture à l’aquarelle sur des feuilles A3. L’originalité par rapport à mes textures habituelles, c’est que là j’ai « creusé » dans la peinture encore humide avec une fourchette en bois* (chipée chez Prêt à Manger, si vous voulez tout savoir) pour tracer des traits, et créer ainsi une texture supplémentaire.

On reproche souvent à l’aquarelle son côté insipide et ennuyeux, alors que c’est un medium versatile qui permet d’obtenir une myriade de rendus différents assez facilement.

Une fois la peinture sèche, j’ai tracé des traits à main levée pour compenser le flou de l’arrière-plan par une structure géométrique.

Pour cela, j’ai utilisé plusieurs feutres blancs ; le tout premier était super, il était bien épais, mais il a vite rendu l’âme, m’obligeant à me rabattre sur un autre feutre, plus fin.

Enfin, une fois le motif finalisé, j’ai découpé les cartes au format 10 x 15 cm avec un petit massicot. Et voilà ! Rien de très compliqué, ce qui était nickel étant donné le peu d’énergie que j’avais.

Il m’a semblé que cette fournée de cartes a moins plu que celles que j’avais faites en 2019 : j’ai reçu beaucoup moins de retours de la part des destinataires, et les cartes n’ont quasiment pas été partagées sur Instagram (pas que ce soit l’objectif, mais en général c’est quand même un signe d’enthousiasme).

J’espère malgré tout que ces petits courriers ont pu apporter un peu de couleurs dans les chaumières au terme d’une année bien morose !

Si ça vous intéresse, voici un mini historique de mes cartes de vœux : cartes de vœux 2018, cartes de vœux 2016, cartes de vœux 2014.

Conclusion : résister

Bilan matériel

Hormis les quatre mois pendant l’été où je n’ai rien pu faire du tout, j’ai quand même réussi à dessiner et à peindre assez régulièrement en 2020.

La grande nouveauté, et mon gros coup de cœur, ça a bien sûr été la gravure ! Maintenant que j’ai une presse et un atelier rien qu’à moi, je vais pouvoir continuer à expérimenter dans ce domaine, et je m’en réjouis.

En 2020, j’ai aussi découvert le plaisir de peindre dans des carnets. C’est un peu comme une histoire qui s’écrit petit à petit. J’ai toujours adoré les carnets d’artistes et d’illustrateurices, et je trouve ça vraiment cool d’avoir pris confiance en moi pour me lancer à mon tour, sans me dire à chaque fois « oh noooon, je vais ruiner une page dans un beau carnet tout neuf… ».

Un carnet permet en outre de limiter le nombre de feuilles volantes, dont je ne sais jamais quoi faire, et qui s’entassent dans des cartons à dessin.

Côté regrets, je regrette de ne pas avoir pu faire de crafternoon avec Rozenn, et d’avoir dû repousser la fabrication de notre zine à plus tard.

Néanmoins, nous nous y sommes remises depuis, et nous avons sincèrement hâte de pouvoir partager ce projet papier avec vous ! Il me reste encore pas mal de choses à dessiner, donc il faudra attendre encore un peu.

Bilan immatériel

En 2020, s’il y a bien une chose qui m’a pesé, c’est le manque de temps.

J’ai longtemps pensé que si je ne créais rien, c’est que je manquais d’inspiration et d’idées. Pour moi, cela relevait du blocage créatif individuel.

Sur le moment, des ressources comme cette vidéo de Cy, Art block — Comment le kicker, m’ont aidée à dédramatiser ma baisse de productivité créative et bloguesque.

Après tout, est-ce vraiment possible d’être créatif/créative tout le temps ? Sans doute pas, car la créativité fonctionne par vagues montantes et descendantes.

Néanmoins, je suis convaincue maintenant que cela ne tient pas qu’à nous. Quelle que soit notre situation personnelle, on se bat contre des obstacles systémiques qui nous détournent de notre vocation artistique.

Il faut résister, sauf que résister ça demande de l’énergie et/ou de l’argent. La guerre du temps est une guerre psychologique et économique.

La société devrait aider les artistes à créer. L’art nous permet de survivre collectivement. C’est un trésor maltraité et négligé.

Acheter du temps libre

Quant à moi, j’ai sincèrement cru que travailler à temps plein était tout à fait compatible avec le fait de créer des choses à un rythme régulier.

Or, malgré tous les stratagèmes que j’ai testés pour voler du temps à mon monstrueux planning hebdomadaire, je sais aujourd’hui qu’il ne m’est pas possible de faire les deux.

C’est pourquoi, après plusieurs années à en rêver, j’ai pris la décision de réduire mon temps de travail salarié.

Chaque semaine, je travaillerai quatre jours au lieu de cinq. J’ai la ferme intention de consacrer le cinquième jour à l’art, contre vents et marées.

Un jour libre par semaine en plus, ça fait environ 4 jours par mois de libres en plus, soit presque une petite semaine. Je me réjouis, vraiment.

Mais je sais aussi que je ne réussirai pas toujours, et pas immédiatement, à produire quelque chose dans ces espaces-temps dédiés.

Avant toute chose, ma priorité va être de me remettre de l’immense fatigue que je ressens, aussi bien physiquement que mentalement, depuis bientôt deux ans.

À l’automne dernier, j’ai eu la désagréable surprise d’avoir à nouveau des pensées noires, après des années sans. Cela m’a alertée sur le fait que je vais bien plus mal que ce que je laisse paraître, et qu’il devient urgent que quelque chose change dans ma vie.

Je souhaite réussir à considérer ma créativité comme une priorité.

C’est en écoutant Danielle Krysa que j’ai réalisé un truc, pourtant évident : mon travail salarié ne tolèrerait pas que je l’envoie bouler pour passer ma journée à peindre.

Alors pourquoi mon travail créatif devrait-il tolérer que mon travail salarié, mon ménage, et les corvées de la vie le cannibalisent, alors que cela me rend profondément malheureuse ?

J’accueille donc la perspective de réduire bientôt mon temps de travail salarié avec soulagement, même si je dois sacrifier pour cela une part de mes revenus. J’ai le privilège de pouvoir le faire, alors je le fais — mais cela me semble injuste que ce soit à moi de devoir sacrifier quelque chose pour cela.

Le temps libre ne devrait pas être une marchandise. Cela ne devrait pas être à nous de payer pour vivre la vie que nous avons besoin de mener.

« Quand on veut, on peut » est vraiment le pire mensonge de notre époque.